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Cómo editar tus fotos sin perder naturalidad

Cómo editar tus fotos sin perder naturalidad

Por Lucas Scheider — Kriterium

El retoque fotográfico es un tema fascinante… y también peligroso.
Porque muchas veces, lo que arruina una buena foto no es el error técnico al disparar, sino el exceso de edición después.

Todos lo hemos visto:
un brazo que aparece duplicado,
una piel sin textura,
un ombligo borrado (como aquella famosa portada de revista de hace unos años).
Son errores burdos, pero muy comunes.
Y casi siempre tienen una raíz en común: la falta de criterio.

El criterio antes que el pincel

Editar una foto no es aplicar filtros ni borrar todo lo que molesta.
Es decidir qué merece quedarse y qué no.
Y eso requiere criterio, paciencia y sensibilidad.

Yo siempre digo que hay dos grandes etapas:
el revelado y el retoque.

El revelado tiene que ver con extraer y trabajar la mayor cantidad de información posible de la imagen. Es el momento de rescatar luces, sombras, color, textura.
El retoque, en cambio, es más quirúrgico: tiene que ver con elegir qué mostrar, cómo hacerlo y hasta dónde modificar lo que decidiste revelar.

Ahí entran en juego el estilo, el ambiente, la intención.
Cada decisión visual tiene que tener un porqué.

Qué cambiar y qué no cambiar

Para mí, la regla es simple:
solo se retoca lo que puede desaparecer naturalmente en poco tiempo.

Si hay una imperfección pasajera —un granito, una marca momentánea, una ojera fuerte por cansancio—, podés corregirla.
Pero si borrás un lunar, una cicatriz o algo que forma parte real de la persona, estás inventando una nueva versión que no existe.
Y ahí se pierde la verdad de la imagen.

La fotografía tiene que mejorar la realidad, no reemplazarla.

Cómo guiar la mirada

Editar bien también es aprender a dirigir la atención del espectador.
Podés hacerlo de muchas maneras:
por textura, por color, por tono, por luminosidad, o por saturación.

El ojo siempre se va a donde hay contraste o diferencia.
Y si entendés eso, podés usar la edición para contar sin exagerar.

Errores comunes

Uno de los errores más frecuentes que veo es no dejar reposar la foto.
Editan, editan, editan… y nunca se detienen a mirar.
Cuando terminás un retoque, es fundamental dejarlo descansar, volver a mirarlo al día siguiente, y ver si realmente era necesario tanto ajuste.

El otro error es no tener claro un norte.
No es lo mismo editar para una campaña de beauty que para un retrato personal o un trabajo documental.
Cada tipo de imagen tiene su propio lenguaje.
Y si perdés de vista el objetivo, es muy fácil pasarte del límite.

Herramientas y flujo

Yo separo mis procesos en dos etapas bien definidas:

  • Revelado: lo hago siempre en Lightroom, para sacar el máximo potencial de la imagen original.

  • Retoque: lo realizo en Photoshop, desde la computadora, para los detalles finos o composiciones complejas.

Cada herramienta cumple su rol.
Y lo importante es no usar ninguna de más.

La edición debería ser como el maquillaje en una buena película:
invisible, precisa y coherente con la historia.
El retoque tiene que amplificar tu mirada, no reemplazarla.

Y en Kriterium, eso es lo que enseñamos:
a mirar, decidir y trabajar con criterio,
para que tus fotos sigan pareciendo tuyas…
incluso después de pasarlas por Photoshop.
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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era Por Lucas Scheider — Kriterium Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara

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17.10.2025 No hay comentarios
19.10.2025

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Historias que venden: cómo construir narrativas visuales para redes

Historias que venden: cómo construir narrativas visuales para redes

Por Lucas Scheider — Kriterium

Cuando era chico, tendría unos ocho o nueve años, y ya estaba estudiando diseño.
Tenía un profesor particular que se llamaba Cristian.
Me enseñaba Corel, Dreamweaver, y Flash —sí, Flash— para diseñar páginas web.
Usábamos computadoras que no eran grandes cosas, pero servían.
Y aun así, yo soñaba con una: la iMac.

Era el símbolo de lo que quería alcanzar.
Pero en ese momento era imposible.
Mis padres siempre me decían que, cuando fuera grande y trabajara, me la iba a poder comprar.
Y así fue.

Durante muchos años me olvidé de esa historia.
Hasta que, tiempo después, cuando arrancamos con Kriterium, llegó la primera Mac.
Una MacBook Pro que había comprado en México.
Y recuerdo perfectamente la sensación de abrirla por primera vez.
Era como cumplir una promesa que había quedado suspendida en el tiempo.

Al poco tiempo, cuando empezaron a venir los alumnos, muchos se quedaban mirando la computadora.
Les llamaba la atención.
Y me di cuenta de que podía hacer algo más grande con eso: acercar lo que yo soñé a otros que soñaban lo mismo.

Empecé a usar esa Mac en las clases, para mostrar las fotos, para editar, para practicar.
Y muy pronto el estudio creció.
Llegamos a tener seis iMacs, dos MacBook Pro y dos Mac Air disponibles para todos.
Y no solo eso: también teníamos flashes, cámaras, modificadores, lentes, triggers…
Había de todo.
Cada alumno podía usar el equipo que quisiera.
Podían probar, equivocarse, aprender, tocar, sentir.

Eso fue lo que marcó la diferencia.
Porque yo sabía lo que se sentía no tener acceso a todo eso.
Sabía lo que era querer aprender y no poder practicar con las herramientas reales.

Y esa historia —la de un chico que soñaba con una iMac y terminó creando un lugar donde otros podían usar diez— fue una de las historias que más conectó con la gente.
Se compartió, se comentó, se recordó.
Porque no era marketing.
Era verdad.

Eso es lo que quiero transmitir cuando hablo de historias que venden.
No se trata de inventar algo para gustar, sino de contar algo que te represente de verdad.
De humanizar la marca.
De mostrar de dónde venís, qué soñabas, qué te costó llegar hasta acá.

Una historia real genera empatía.
Y la empatía genera conexión.
Y la conexión, con el tiempo, genera confianza.
Y eso, finalmente, es lo que hace que la gente elija tu marca, tu producto o tu escuela.

Porque todos —absolutamente todos— queremos vernos reflejados en alguien que ya pasó por donde nosotros estamos ahora.

Hoy, cuando pienso en Kriterium, pienso justamente en eso:
en que logramos crear un espacio donde los alumnos pueden tocar los equipos, experimentar, equivocarse, y crecer.
Donde pueden tener en sus manos lo que alguna vez soñaron, sin tener que comprarlo primero.

Y eso, más que una estrategia,
es una historia real.
Una historia que nos define.

Y que, como toda buena historia,
no solo vende: inspira.
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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era Por Lucas Scheider — Kriterium Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara

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17.10.2025 No hay comentarios
18.10.2025

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Filmmaking con cámara o con celular: lo que realmente importa

Filmmaking con cámara o con celular: lo que realmente importa

Por Lucas Scheider — Kriterium

Hoy los teléfonos tienen un nivel de calidad que hace unos años era impensado.
Sensores enormes, profundidad de campo simulada, estabilización, color, rango dinámico.
Y sin embargo, todavía hay mucha gente que se pregunta si “vale la pena” filmar con un celular.

La verdad es que sí.
Vale la pena.

Porque antes de pensar en el equipo, hay que pensar en dónde se va a ver.
Hoy tenemos películas filmadas íntegramente con teléfonos que se proyectan en cines, en festivales, en plataformas, y se ven increíbles.
No tienen nada que envidiarle a producciones hechas con cámaras profesionales.
Y claro, también hay trabajos que requieren otro nivel de control, otro tipo de óptica, otra búsqueda estética.
Pero el punto no es ese.

Lo que más me gusta del celular es la autonomía que te da.
Esa libertad que no siempre existe con una cámara grande.
Puedo llevar el teléfono en el bolsillo y estar creando una película en cualquier momento del día, sin depender de un equipo, de luces, de trípodes o de logística.

El celular nos da espontaneidad.
Nos permite contar historias sin tanta estructura.
Y a veces, esa naturalidad es lo que hace que algo funcione.

Llevar una cámara implica llevar lentes, parasoles, tarjetas, baterías, cables, mochilas, soportes…
Y aunque eso tenga su encanto, también complejiza.
Por eso siempre lo digo: salvo que el proyecto lo requiera, filmar con el celular es más que interesante.

Con una buena configuración —y con algo de criterio— se pueden lograr resultados sorprendentes.

Todo depende del objetivo.
Si querés un trabajo con un nivel de detalle extremo, control de foco, textura cinematográfica y profundidad de campo real, probablemente el camino sea una cámara.
Pero también es cierto que, si el contenido va a vivir en redes, en Instagram, en TikTok, o incluso en YouTube, no tiene demasiado sentido invertir una fortuna en un equipo full frame con ópticas carísimas para mostrar algo que va a terminar viéndose en una pantalla de seis pulgadas.

En definitiva, se trata de entender la necesidad.
De usar la herramienta correcta para cada historia.

Claro que todavía existe cierta resistencia, sobre todo del lado de algunos clientes.
Cuando ven que un filmmaker llega con un teléfono en la mano, y no con un set de diez personas, luces, sliders y cámaras enormes, piensan que el resultado no va a ser “profesional”.
Pero lo profesional no está en el tamaño del equipo.
Está en el ojo, en la planificación, en la edición, en la historia que se cuenta.

Y muchas veces, un teléfono bien usado, con una buena idea detrás, vence al despliegue técnico más complejo.

Hoy, la mayoría de los proyectos que enfrentamos —incluso dentro de marcas grandes— pueden resolverse perfectamente con un celular.
Porque lo que realmente importa no es con qué grabás, sino qué querés contar, cómo lo hacés y qué te hace sentir cuando lo ves terminado.

La cámara es una herramienta.
El ojo, el criterio y la historia siguen siendo el corazón del filmmaking.

Y eso, en Kriterium, es lo que enseñamos:
a mirar distinto,
a contar desde lo que tenés a mano,
y a descubrir que lo que realmente hace grande a una imagen,
no es el equipo…
es la intención con la que se filma.
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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era Por Lucas Scheider — Kriterium Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara

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18.10.2025

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Aprender a ver: los ejercicios que cambiaron mi forma de mirar el mundo

A lo largo de mi carrera, hubo varios momentos en los que mi forma de mirar cambió.
Cada etapa tuvo su propio norte, su propio punto de inflexión.

La primera fue cuando empecé a trabajar en un estudio fotográfico llamado Centro Integral Fotográfico (CIF).
Ahí trabajaban Fernando y Marcelo, los dueños del lugar.
Ellos hacían fotografías de eventos con una calidad que, para mí, en ese momento, era inalcanzable.
Era mi norte, mi primera referencia clara de lo que significaba una imagen bien hecha.

Recuerdo mirar sus fotos una y otra vez, tratando de entender cómo lograban esa nitidez, ese contraste, esa sensación de presencia en cada retrato.
Ahí fue donde empecé a entender que aprender fotografía no era solo estudiar parámetros o técnicas, sino empezar a entrenar el ojo.

Pasaron los años, y en algún punto mi norte cambió.
Aparecieron otros referentes, otras miradas.
Descubrí el trabajo de Joey L, Chris Knight, Annie Leibovitz, y otros fotógrafos que tenían una manera completamente distinta de usar la luz, el color, el clima.
Ahí comenzó la segunda etapa: una búsqueda más profunda de estética, de intención, de atmósfera.
Y entendí que la mirada se construye con tiempo, con observación y con una enorme dosis de curiosidad.

La tercera etapa —la que todavía me acompaña— tiene que ver con la cultura visual.
Con alimentar el ojo todos los días, aunque no tengas la cámara en la mano.

📷 El ejercicio que más recomiendo

Siempre les digo a mis alumnos lo mismo:
dedíquenle al menos 15 minutos por día a mirar fotografías de calidad.
Todos los días. De lunes a lunes.
En Behance, en 500px, en Flickr, o en cualquier plataforma donde puedan encontrarse con obras que los desafíen.

Miren, analicen, comparen.
Pregúntense qué tiene esa foto que los atrapa.
Cómo está iluminada.
Qué decisiones tomó quien la hizo.
Y luego intenten imaginar cómo la harían ustedes.

Esa práctica diaria, ese pequeño ritual de observar, abre la frontera visual.
Te muestra lo que es posible.
Y cuando te animás a recrear esas imágenes, aunque sea por práctica, descubrís que el proceso te enseña más que cualquier manual.

Ahí, entre la observación y la experimentación, aparece la verdadera evolución del ojo fotográfico.
El momento en que dejás de mirar fotos y empezás a leerlas.

Aprender a ver es un viaje.
Uno que no termina nunca.
Porque cada foto que mirás, cada imagen que te emociona, deja una huella en vos.
Te enseña sin que te des cuenta.

Y eso es lo que buscamos en Kriterium:
que entrenes tu mirada,
que descubras tus referentes,
y que construyas tu propio criterio para mirar el mundo —y contarlo— a través de la luz.
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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era Por Lucas Scheider — Kriterium Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara

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17.10.2025 No hay comentarios
18.10.2025

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El momento en que entendí que la fotografía era más que técnica

Hay una foto que me acompaña desde hace más de diez años.

Está impresa en Fine Art, 50×50 centímetros.

Tiene un paspartú ancho, un marco de madera negra y vidrio antirreflex.

Me la regalaron una Navidad, y no hay muchas cosas materiales que tengan tanto valor para mí como ese cuadro.

No era solo el gesto.

Era también la foto.

Porque recibirla así, impresa, con ese respeto, con ese cuidado, fue como recibir una obra puesta en el lugar exacto donde tenía que estar.

Y desde ese momento se convirtió en mi foto preferida.

La imagen fue tomada durante la final de la Triple Corona de Polo, en el Campo Argentino de Palermo —la Catedral del Polo—.

Yo estaba ahí trabajando para La Dolfina, en la parte de organización, y tenía mi cámara conmigo. El partido era contra La Ellerstina. Y esa foto, la del cuadro, es justamente de ellos, del equipo contrario al que yo era hincha.

El momento fue fugaz. Una jugada, una mirada, la tensión del aire.

La hice casi sin pensarlo.

Y años después, verla enmarcada, con ese espacio alrededor, con esa textura del papel Fine Art… fue como verla por primera vez.

Ahí entendí que la fotografía no era solo técnica.

Era algo más.

Era tiempo detenido.

Era luz traducida en emoción.

Era la posibilidad de capturar nuestras pasiones, nuestros sentimientos, cómo estamos, qué queremos decir y qué queremos compartir.

La fotografía puede trascender el simple momento del disparo y llevarnos mucho más lejos:

puede invitar al espectador a vivir lo que el fotógrafo sintió.

A recorrer el mismo aire, el mismo ruido, el mismo instante suspendido.

A pasear por un mundo hecho de movimiento, de acción, de temperatura, de espacios, de inmensidad.

Todo eso cabe dentro de una imagen.

Esa foto me sigue acompañando en cada mudanza, en cada casa, en cada estudio.

No por nostalgia, sino porque me recuerda el punto exacto donde la fotografía me cambió la mirada.

Hoy, cuando enseño, suelo decir que la diferencia entre hacer una buena foto y hacer una foto que te quede en la cabeza está en cómo mirás.

En entrenar el ojo.

Por eso insisto tanto con la cultura visual: mirar fotos todos los días, recorrer Behance, Flickr, 500px.

Ver cómo trabajan otros fotógrafos.

Cómo usan la luz, cómo cuentan.

Aunque no lo notes, algo de eso te va quedando. Tu ojo aprende. Tu cabeza empieza a imaginar.

Y cuando llega ese momento —ese clic en el que la técnica se olvida y solo queda lo que estás sintiendo—, ahí empieza la verdadera fotografía.

Eso es lo que buscamos en Kriterium:

que encuentres tu forma de mirar,

que desarrolles tu criterio,

y que la fotografía deje de ser un conjunto de parámetros

para convertirse en una forma de ver —y sentir— el mundo.
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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era Por Lucas Scheider — Kriterium Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara

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17.10.2025 No hay comentarios
17.10.2025

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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era

Por Lucas Scheider — Kriterium

Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara réflex. No fue algo que me regalaron ni que llegó fácil. Fue una meta. Yo ya estudiaba fotografía desde los 15, y recuerdo que mi profesor tenía una Nikon D90. Me parecía algo casi inalcanzable. Costaba alrededor de 800 dólares, y en ese momento era un número imposible.

Mientras tanto, yo trabajaba en un estudio, el Centro Integral Fotográfico —CIF—, donde asistía a dos grandes fotógrafos, Fernando y Marcelo. Pasaba horas mirando cómo trabajaban, cargando equipos, observando la luz, tratando de entender cómo lograban eso que yo veía en sus fotos. Y en medio de todo eso, apareció la idea fija: algún día voy a tener mi cámara.

Cuando empecé a trabajar en otra empresa —nada que ver con la fotografía, era una empresa de hosting—, con mis primeros sueldos pude hacerlo: compré, en cuotas, una Nikon D3100. Recién salía al mercado. Era nueva, moderna, brillante. Y fue mi primera réflex. La primera vez que apreté el disparador, supe que ese sonido me iba a acompañar por muchos años.

Pasaron muchas cámaras después. Y recién, muchos años más tarde, justo antes de la pandemia, en 2020, di el salto a una mirrorless. Compré una Sony A7 III con un Sigma Art 24mm. Y ahí entendí que el mundo había cambiado.

El peso era otro. El enfoque, inmediato. El rango ISO, impresionante. Y los colores… los colores de la Sony tienen algo metálico, una textura particular que me encanta.

Pero hubo algo que me desconcertó completamente: el silencio. Recuerdo que al principio no entendía si la cámara había disparado o no. No hacía click. Nada. Era imperceptible. Tan silenciosa, tan moderna, que tuve que activarle el sonido artificial solo para sentir que había hecho la foto. Era como si me faltara el momento, ese instante que separa lo que ves de lo que capturás.

Y ahí me di cuenta de algo: no se trata de qué cámara tenés, sino de cómo vivís el acto de fotografiar.

La diferencia técnica existe, sí, pero no es el alma de la foto. La réflex tiene un espejo físico que refleja la luz hacia el visor. Es más mecánica, más romántica si se quiere. Ves exactamente la luz que entra por el lente, el recorrido real. En cambio, la mirrorless interpreta la imagen electrónicamente: es un sensor que ve por vos, la traduce en tiempo real, y te muestra lo que la máquina percibe.

Son dos formas distintas de mirar el mismo mundo.

Y ahí está el punto: no todos necesitan una mirrorless. A veces, cambiar de cámara no significa mejorar tus fotos. Si la réflex te da lo que necesitás, si entendés cómo usarla, si te sentís cómodo con ella… entonces es perfecta. Porque lo importante no es el espejo o la pantalla: es el criterio con el que mirás.

📊 Algunas diferencias prácticas

Aspecto Réflex Mirrorless
Sistema de visión Óptico (con espejo) Electrónico (EVF o pantalla)
Peso Más pesada Más liviana
Autofoco Menos puntos / más lento Más rápido, especialmente en video
Autonomía Mayor duración de batería Menor duración de batería
Experiencia Mecánica, tradicional Silenciosa, moderna
Ideal para Quien disfruta el proceso clásico Quien busca agilidad y tecnología

No hay una mejor. Solo hay una que encaje mejor con vos.

Y cuando la encuentres, no la cambies por moda. Usala hasta que la conozcas como a una extensión de tus manos. Ahí recién empieza la verdadera fotografía.
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Reflex vs. Mirrorless

Réflex vs Mirrorless: el cambio de era Por Lucas Scheider — Kriterium Tenía 17 años cuando compré mi primera cámara

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